Frente al espejo de una mujer, Ismaíl Kadaré: una narrativa honesta

Ismaíl Kadaré es el escritor más representativo de Albania, el país más desconocido de los Balcanes y que padeció una de las dictaduras más férreas y herméticas del siglo XX, la de Enver Hoxha; a ojos de Occidente es el país más pobre, pero donde todavía persiste un sabor a medievo o, lo que es lo mismo, a tiempo anclado en el ayer. Y de ahí radica el quid de su narrativa, el contar algo de forma honesta sin agregar o quitar hechos, pues la realidad es como es, sin más adornos.

Frente al espejo de una mujer es un volumen que recoge tres novelas cortas del autor albanés, y donde todas tienen como denominador común una mirada al pasado, a un pasado de coacción, de represión y, en cierta medida, de amor. El jinete con halcón (2000) es la novela que abre el volumen y aquí nos encontramos una historia que tiene como ingredientes la caza, el arte y las represiones ideológicas o políticas con el fin de perpetuar la tiranía. La historia de la Liga albanesa de Escritores frente al espejo de una mujer (2000) narra el regreso de un joven escritor (¿autoficción?) a Tirana, la capital de Albania, desde la URSS en los años 60, época del mayor cenit de las dictaduras soviéticas, y donde los escritores tenían que estar reconocidos oficialmente por el poder y ser miembros de la Liga de Escritores. Pero no todos los escritores son afines al régimen, ni todos escriben lo que quieren que escriban. Y aquí muestra cómo era sobrevivir dentro de un Estado con las libertades asfixiadas y cito como ejemplo: el hecho de que una madre permita que su hija ejerza la prostitución y además le busque clientes. El volumen cierra con El vuelo de la cigüeña (1986), que también posa su mirada en el escritor, pero ya de una avanzada edad, aunque deja en manos del lector la inquietud de si para el amor existe una edad, si esto conlleva peligro, o si la dictadura tiene diferentes visiones en el mundo exterior.

En las tres historias se percibe un contraste continuo con la sociedad albanesa, pero es lo que el individuo social, bajo su condición humana, puede realizar cuando lo único que puede hacer para vivir es sobrevivir. Esquivando el presente para no ser parte del pasado y a la vez forjar una ilusión por un futuro, porque se sabe que todo es frugal y el tiempo lo es más. Que los imperios, las sociedades e incluso las personas tienen fecha de caducidad.

En España, toda su obra está publicada por Alianza Editorial y en el año 2009 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, a una obra narrativa de más de cincuenta años, y avalada por el peso de la calidad con que describe la vida de un país sometido. Es un autor que no ha llegado todavía al gran público, pero será el tiempo quien le vaya dando un lugar propio. El autor falleció en el año 2024, pero su narrativa está destinada a ser perpetuada en el tiempo y ser convertirse en una figura de referencia como lo pueden ser Coetzee, Carrère o Munro, además de tener un sitio preferente en los anaqueles de bibliotecas o librerías.

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El primer siglo después de Béatrice, Amin Maalouf: la ruptura de la costumbre

La distopía El primer siglo después de Beatrice fue publicada en 1992, donde el mundo tenía puestas sus miras en el nuevo siglo, que parecía llegar de forma apresurada, y que intuía un cambio social con un calado universal. Y sí, la sociedad cambió, pero una de las cosas que deja patente la novela es que hay aspectos intrínsecos que permanecen igual que desde el momento en que la novela vio la luz, lo cual despeja la duda sobre el progreso de la sociedad. El primer indicio que nos muestra el libro no es baladí: es su distribución en veinticuatro capítulos, cada uno enumerado con una letra del alfabeto. Hay que ser un gran escritor para saber lo que quiere contar, cómo lo quiere contar y, además, que todo cuadre y encaje como él quiere.

La historia transcurre en dos planos temporales: los años 90 y 2030 (algo que parecía remotamente lejano), y Amin Maalouf toma como punto de partida para construir una distopía el descubrimiento de unos misteriosos polvos en Egipto que perpetúan la descendencia masculina en detrimento de la femenina, lo cual posibilita la manipulación de la población mundial a través de la concepción, y que muestra que la mujer continúa siendo la gran perjudicada con el intento del hombre por mantener su hegemonía. Bajo esa capa de un aparente humor, subyacen la denuncia de los infanticidios femeninos en zonas subdesarrolladas de África, abortos no deseados o incontrolados, el abuso a la mujer e incluso el ostracismo que padece, e incluso el cuestionamiento de qué siente el hombre cuando tiene demasiado poder o quiere revertir unos hechos ante los cuales se siente perjudicado. Sin embargo, la gesta de poder seleccionar el sexo antes de nacer te lleva a pensar en una visión pesimista de la sociedad. ¿Qué pasaría si todas las mujeres tuviesen solo hijos? ¿Llegaría el fin de la sociedad? ¿Es un problema reversible? ¿Cuáles son los valores que rigen –o deberían regir– en una sociedad?

Al poco de adentrarnos en la novela, percibimos que el autor juega a romper las reglas impuestas por la tradición social en una pareja. Una madre que quiere trabajar, que tiene una hija (Beatrice) para complacer al padre y que este sea quien la cuide. Y aquí radica la principal cuita que el autor quiere mostrar a la sociedad. ¿Por qué no aceptar lo nuevo? ¿Acaso la tradición tiene tanto peso que es imposible su ruptura? ¿Es necesario tener en cuenta a la sociedad para ser quien quiero ser? Tener un hijo es un acto individual o de pareja, pero Maalouf lo convierte en colectivo, al otorgar la supremacía al hombre, y pierde su rasgo distintivo.

El hecho de que la protagonista de la novela se llame Beatrice te hace mirar directamente a Dante y su infierno. ¿Está colocado el nombre de la protagonista con un fin concreto? ¿Acaso el hombre vive en un infierno? ¿Es un infierno la sociedad? ¿Cómo debe actuar el hombre ante la perplejidad de la manipulación genética? ¿O acaso el hombre convertirá a la sociedad en un infierno con el hecho de tener solo hijos? Preguntas que solo el lector debe responder, pero sin una obligatoriedad, pues la novela tiene una lectura fácil con ciertos toques de humor.

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Después del terremoto, Haruki Murakami: la esencia narrativa destilada

Si mal no recuerdo, comencé a leer a Haruki Murakami por el año 2006 con Tokio Blues (Norwegian Wood) y desde entonces siempre me surge la misma duda. ¿Son los personajes lo que te atrapa o es la trama que los envuelve? En cualquier caso, siempre hay que leerlo y, desde que sus novelas comenzaron a tomar autonomía, sobre todo en Occidente, es catalogado como bueno, incomprensible, raro, mágico, ... y así podría seguir llenando toda la hoja de esta reseña para definir al escritor japonés, pero la cuestión es que sus historias no dejan indiferente a nadie y hoy en día sus libros son éxitos de ventas, pero acompañados de la palabra calidad narrativa.

Después del terremoto es un libro que se publicó originalmente en el año 2000 y en España trece años más tarde, y está compuesto de seis relatos que tienen como epicentro vertebral el terremoto de la ciudad japonesa de Kobe, en 1995, pero no versa sobre dicho fenómeno geológico natural. Dentro nos encontramos la idiosincrasia narrativa del universo Murakami y el lector sabe desde el primer momento que no le queda otra que aceptarla, aunque sin llegar a la complejidad que ostentan sus novelas y que no extrañará al lector que haya leído algo de él; por sus páginas pasamos entre un elenco de individuos de la sociedad nipona que convergen en la cotidianidad y que es perfectamente traspolable a Occidente. Un grupo de amigos cuya juventud no sabe que el destino es quien juega su última carta; una mirada al avance de la tecnología médica con una investigadora, un hombre que hace hogueras frente al mar, o la responsabilidad que el autor le otorga a una rana (dicho animal en Japón es representativo de la falta de inteligencia) y un gusano para salvar al mundo.

Si en las novelas es constante el guiño hacia el jazz y hacia la literatura, aquí no es menos. Por sus páginas hay guiños también a Jack London, Dostoievski; o del jazz, que quizá pueden pasar desapercibidos para el gran público: Errol Garner, Lionel Hampton... Leer a Murakami es disfrutar de un compendio de sentidos variados: conocer un poco mas al país nipón, la buena literatura y jazz, así como de la vida sin cuestionarse nada más. Después del terremoto, no deja indiferente; la mayor consecuencia es inmiscuirse en el universo de un Murakami apto para todos los públicos.

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Alejandría, E. M. Forster: al paso de la Historia

Publicada en 1922, para una sociedad británica viajera, nos encontramos con un texto en donde se avisa al lector y al futuro turista para que sepa lo que se va a encontrar cuando llegue.

Alejandría de E. M. Forster destaca por ser un libro ajeno al mundo de sus novelas, pues se trata de una guía de viajes, aunque sí que se percibe su forma de narrar o de escribir que hace transitar al lector de forma amena por su cultura. El autor divide el libro en dos partes independientes, una primera donde muestra que su posición geográfica la dota de una situación estratégica única en su pasado y además menciona todos los periodos históricos que le han hecho mella. Comenzando por el periodo greco-egipcio hasta finalizar con el bombardeo que padeció en 1882 por parte del Imperio Británico, va dando unas pinceladas mínimas para orientar al espectador. Será en la segunda parte donde nos encontremos con lo que es propiamente una guía de viajes, además muy profusa en imágenes, mapas y planos dada la época de su publicación. Nos paseará por los barrios con más pedigrí histórico y los monumentos que de una forma u otra han marcado y cimentado el nombre de la ciudad. Y nos engulle en sus calles, con la mezcla de culturas y religiones (cristiana, copta, musulmana, griega, árabe, etc.), con el bullicio de sus calles, con los cafés y las tiendas de especias, de orfebrería, de curtidos, etc.

En la actualidad, Alejandría ha pasado de ser la segunda ciudad en importancia de Egipto a favor de El Cairo, pero Forster se encarga de mostrar su pedigrí histórico. Nos recuerda que la fundó Alejandro Magno, que cobijó el amor de Cleopatra y Marco Antonio, que poseía el "Faro" que dio luz durante siglos y fue considerado una de las siete maravillas del mundo; es la ciudad donde estuvo la Biblioteca que reunía todo el saber de la antigüedad; que Napoleón estuvo encaprichado de ella. Pasado y presente conviven en un mismo espacio sin pisar el lugar que ha ocupado en cada momento de la historia.

Hay que leer este libro de Forster con curiosidad, sin tener en cuenta el paso del tiempo o cuestionar si es mejor o peor que su narrativa. Este libro nos sirve para apreciar cómo eran las guías de viaje a principios del siglo XX, pero de la mano de un escritor. Todo lo demás sobra; solo hay que dejarse llevar por el embrujo de una ciudad que ha visto pasar la historia de dos continentes con el mar Mediterráneo como testigo.

A mí solo me asalta una pregunta o, mejor dicho, una duda. ¿Sería Kavafis el mismo poeta sin la ciudad que le vio nacer? La respuesta queda en manos del lector o del viajero.

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El regreso de los exiliados, Elisabeth de Waal: cuando todo es igual, pero diferente

Exilio es probablemente una de las palabras con connotaciones más duras que contiene cualquier idioma y quien lo ha vivido sabe que no digo ninguna banalidad, y ahí radica el eje de El regreso de los exiliados, donde los protagonistas intentan retomar la vida que tenían antes de la masacre judía que trajo consigo la llegada de los nazis al poder.La prosa de Elisabeth de Waal no es baladí y nos muestra que posee unos conocimientos de primera mano sobre los hechos que cuenta y la época en que le tocó vivir; sin embargo, no la considero una novela desgarradora o cruda, todo lo contrario, sino que utiliza una prosa suave y firme para contar la dureza de unos hechos provocados por los caprichos del ser humano.

Dentro del elenco de personajes de la historia, son tres sobre quienes recae el peso: un profesor de química judío que vuelve para recobrar su antiguo puesto; una joven adolescente que no consigue encontrar su lugar, y un oportunista-vividor que intenta triunfar en la ciudad; y que representan la sociedad vienesa y su división para mostrar los detalles de la reconstrucción de la antigua capítal del imperio austrohúngaro y la forma que tienen cada uno de enfrentarse a ello. En la narración hay muchas cuestiones intrínsecas desgajadas con una sutileza impoluta y que no tienen que pasar desapercibidas para el lector. ¿Qué ocurre cuando se vuelve a la patria y todo es diferente? El individuo que tuvo que exiliarse ¿es el mismo que vuelve? ¿Y sus compatriotas, compañeros, ciudadanos? ¿Cómo se ve al exiliado desde dentro? o ¿qué ocurre cuando un judío tiene que volver a compartir puesto de trabajo con un verdugo?

La novela transcurre en un año, desde marzo de 1954 a la primavera de 1955, y deja claro que volver a tomar las riendas de la ciudad, de la vida y ser partícipe de la sociedad no es tan fácil. Narra un presente que intenta sobreponerse a un pasado reciente donde las heridas de la identidad no estaban curadas. De Wall refleja un mundo que desapareció y que la sociedad intenta reconstruir a semejanza de los recuerdos o de los mejores tiempos, pero ya se sabe que no todo lo pasado fue mejor y cuando se vuelve del exilio, la llaga del pasado es imposible de curar; en todo caso, aceptar que existe, vivir con ella y aceptar lo ocurrido. La novela está dividida en dos partes, muy bien diferenciadas, pero hay momentos donde siento que en la segunda parte deriva hacia una novela de folletín, aunque que no se aparta de la realidad, pues muchas veces se construyen relaciones sociales para sobrevivir y más en una ciudad que intenta reconstruir una identidad.

En España, la editorial Acantilado publicó, de Elisabeth de Waal, en el año 2012 La liebre con ojos de ámbar y en 2013 vio fue publicada por primera vez la novela aquí reseñada en Viena y aquí ha sido publicada bajo el sello editorial de Asteroide, con un prólogo del nieto de la autora, Edmund de Waal, y con la exquisita traducción de Celia Filipetto. En la solapa del libro, dice que escribió cinco novelas, pero que nunca llegó a publicarlas, y no es cuestión de entrar a dirimir el porqué no las publicó, sino el hecho de ver cómo una mujer era capaz de reflejar las consecuencias o repercusiones de lo acontecido al finalizar la Segunda Guerra Mundial y dejar patente qué resquemores, la convivencia entre los perdedores, los benefactores, pero sobre todo se percibe la búsqueda de una identidad nacional perdida mucho tiempo atrás, aunque el punto de eclosión fue el exterminio judío.

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Como una novela, Daniel Pennac: el calzador de la literatura

La letra con sangre entra era lo más utilizado cuando alguien no quería estudiar o leer y se le obligaba a ello, y que, sin estar en un modo omnipresente, planea sobre la escritura del ensayo de Daniel Pennac y que, lejos de ser una obra didáctica propiamente dicha, intenta ofrecer las causas y las soluciones ante la falta de atención e interés de los adolescentes por la literatura.

Como una novela fue publicado por primera vez en Francia en 1993, cuando la tecnología –¿inteligente?– comenzaba a despuntar, pero todavía le quedaba un camino por recorrer hasta llegar al día de hoy, donde impera en cada momento de nuestras vidas. Pennac, profesor de literatura en un instituto de Francia, y viviendo en sus propias carnes la falta de interés de los jóvenes por leer, aborda elementos para promoverla e incide en los elementos donde falla el sistema educativo (en este caso es el francés, pero extrapolable al español), que hace todo lo contrario, dejar de incitar atención en el estudiante para que lea.

Escrito de un tono muy cercano, rozando por momentos el monólogo interior o "como una novela", nos hace ver que los llamados "enemigos" de la literatura pueden convivir con ella, como es la televisión o el cine, solo que es cuestión del profesor saber encauzar los gustos o empezar por algo que les provoque atención, lo cual testimonia con el inicio de una de las mejores novelas del siglo XX, El perfume. Esto incita a mirar en los comienzos de la novela y cómo deben ser, porque bastan solo unos segundos de lectura para asegurarse o no, de que el lector se quede o se vaya. También focaliza la labor de los padres y la educación que proporcionan a sus vástagos. Pero sobre todo Pennac recurre a la imaginación, para que sea el propio alumno quien la haga funcionar y vea a la historia que está leyendo como un compañero de aventuras.

Para mí la cuestión es: ¿a quién está destinado el libro? A cualquier lector puede ser la respuesta básica, pero Pennac toca en la llaga de la pedagogía literaria, en por qué leer ciertos "clásicos" si el alumno no está preparado para ello, o por qué los planes educativos no permiten licencias a los docentes, o incluso por qué hay docentes que están incapacitados para enseñar. No obstante, el autor sabe de lo que habla y queda de manifiesto en el decálogo de los derechos del lector, porque lanza cuestiones muy básicas que cualquier persona que la lea en algún momento se las ha formulado: ¿puede un lector abandonar la lectura de un libro? ¿Puede subrayarlo? ¿Puede...? Una vez que el libro está en manos de su dueño, este puede hacer con él lo que quiera, ya sea escribir, subrayar, doblar páginas o incluso prenderle fuego; todo tiene su detractor y su oponente, pero la cuestión es leer. Pennac no pide más, solo que se lea, ni siquiera que le aporte algo extra o le haga reflexionar, porque una vez que el lector esté imbuido en su obra, poco a poco se irá volviendo más exigente y sabrá qué obras escoger y cuáles no.

Es evidente que hoy en día la atención requerida para leer una novela –incluso para ver una película, ya sea en el cine o en televisión– ha decaído en pos de la tecnología, pero el papel tiene consolidada su hegemonía, mientras que el libro electrónico está pertrechado en su búsqueda de lectores. Sea el soporte que sea, la cuestión es que el adolescente debe leer, pero sobre todo necesita un mentor que le acerque a las primeras obras, que serán lo que marque su futuro como lector. Es algo simple y cercano, pero lejano y utópico para los poderes públicos o educativos. El ensayo de Daniel Pennac no ha caducado; en todo caso, lanza nuevos interrogantes para los tiempos donde la tecnología nos apremia cada instante.

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El nadador como héroe, Chales Sprawson: el agua como un testimonio social

Quién practica o haya practicado la natación sabe que es el deporte más completo que existe, pero no está exento de una dificultad intrínseca, que no es solo flotar en el agua, de ahí que la figura del nadador, desde el mundo del deporte y fuera de él siempre despierta curiosidad. Y ese es el núcleo del libro de Charles Sprawson, El nadador como héroe, mostrar su figura y hechos como algo más que un disfrute y la repercusión que ha tenido, desde los albores de la humanidad.

Sprawson, fue nadador profesional y buceador por lo que sabe bien de lo que habla a través de ocho capítulos que comprenden desde la antigüedad clásica hasta algo más de mitad del siglo XX, pero teniendo siempre como epígono la figura del nadador, sin llegar a ser un libro de viajes o un ensayo, es una híbrido entre historia, anécdotas y curiosidades. En sus páginas pasa desde la época clásica, reflejando el simbolismo e importancia que tenía el nadador y el agua, (piscinas –término del siglo XX, sería más apropiado "pileta"– al silgo XIX, desde el romanticismo alemán y explayándose con el siglo XX y una mirada al nadador inglés y japonés. Pero también se centra en nadadores que marcaron un hito en la historia de la natación sin llegar a ser competiciones deportivas; como Matthew Webb que cruzó el Canal de la Mancha y el porqué; así todo el libro está plagado de curiosidades que lo ayudan o apartan del sopor de los datos históricos en el que a veces parece perderse el autor, sobre todo en la época clásica: como por ejemplo, cómo Hollywood supo aprovechar el tirón de los nadadores, con Jonny Wismuller a la cabeza, de Esther Williams quien se negó a usar bikini, o la referencia al relato de Chever El nadador y la metáfora de la sociedad que representa. O como en 1952 la selección australiana de natación fue la primera en depilarse el cuerpo para que el agua deslizase mejor, y en el último apartado destaca la importancia del agua en la narrativa japonesa y la figura del nadador y que en occidente pasa casi desapercibida.

Al terminar de leerlo el lector percibe que no hay un héroe concreto, sino que cada persona que da una brazada tras otra y que consigue avanzar metro tras metro es un héroe, porque cada carrera es un logro ya sea en metros o estilos. El libro está profusamente documentado y por eso echo en falta una bibliografía complementaria que lo respalde para que el lector pueda acudir a ella en caso de querer profundizar. Publicado en la editorial Siruela no defrauda, solo hay que leerlo despacio, respirar y soltar aire, como si fuese una brazada más, y así página tras página hasta llegar al final. No hay mejor meta posible que poder completar la lectura de un libro y disfrutarla.

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Trayecto, Ignacio Echavarría: el yugo de una opinión

Quince años de crítica literaria reflejada en setenta reseñas, seis artículos (calas) y un destacable prólogo. Esta es la línea que sintetiza Trayecto, de Ignacio Echevarría, y, como dice en la cubierta, es "un recorrido por la reciente narrativa española". Guste o no la crítica literaria, este es un libro que debería tener en cuenta toda persona que se dedique a escribir narrativa, pues a través de sus páginas muestra el panorama de la literatura española en una etapa de España donde los estertores de la dictadura no estaban de forma expresa, pero se dejaban notar ante la incertidumbre o desvarío cultural que intentaba definir y orientar los gustos culturales de un país, cuya democracia estaba en la búsqueda de unos pilares a los que anclarse.

Por sus páginas desfilan un nutrido grupo de escritores, que en mayor o menor medida han escrito una parte de la historia reciente de la literatura española; algunos eran incipientes narradores y se les calificaba como "sabía nueva", que han caído en el olvido en su segunda novela, o incluso en la única que publicaron; y también otros que siguen escribiendo o tuvieron una prolífica carrera , como son el caso de Eloy Tizón, Belén Gopeguí, Rafael Chirbes, Antonio Soler, entre otros, pero Echevarría deja patente que para ser escritor se necesita algo más que juntar palabras o crear una historia bonita.

Sin embargo, el crítico literario es alguien que está bajo el yugo de su opinión y no hay mejor juez para dar un veredicto que el tiempo. Al crítico literario (y más cuando pertenece a un grupo editorial o periodístico) le llegan los ejemplares de las novelas nada más salir de la imprenta, sin estar todavía en los anaqueles de las librerías, y a partir de ese momento tiene el tiempo contado para leerlo y escribir sobre él, por lo cual, la premura a veces lleva a cometer errores, y cito a Martín Gaite y su recién publicada Nubosidad Variable en 1992, dice de ella: "La novela entera, de hecho, zozobra por un exceso de elocuencia, que repercute incluso en su desarrollo argumental, saturado de casualidades. Que esa elocuencia, y que su respectiva locuacidad, aparezca como inequívocamente femenina quizá constituya para alguien un aliciente, pero no atenúa su desproporción", el tiempo (y el público) ha dictaminado a favor de la autora y la obra. Y con esto no quiero decir que estoy en contra de su crítica, sino que el apremio en la lectura, no le permitía conocer la magnitud de la obra en su totalidad. 

Pero ¿qué ocurre cuando un crítico se equivoca? ¿Rectifica? ¿Vuelve a escribir otra reseña en otro medio? En el prólogo, insisto, para mí, es casi lo más interesante del libro, habla sobre la función de crítico y en qué consiste, si es un híbrido o si es un informador, o si su opinión debe ser mesurada, o puede decir todo lo que piense, porque cualquier frase o palabra puede condicionar al lector en ambos sentidos. Y de que hoy en día, se considera que el mejor autor es el que más libros vende, ¿acaso no importa la calidad?

Son tres lustros sobre escritura de libros y que cronológicamente atienden a tres etapas: una primera donde escribe sobre novelas contrarias al régimen franquista; una segunda que abarca los años ochenta y ese despuntar cultural citado al inicio de estas letras; y la última parte, donde a partir del año 1992 la cultura se aproxima al poder y pierde su frescura y calidez temática.

Ignacio Echavarría publicaba en El País, pero a raíz de una crítica no apta para los gustos de la directiva respecto a una novela de Bernardo Atxaga, comenzaron una serie de desacuerdos con el periódico, dando por finalizada su labor a través de una carta abierta en el año 2004. Y esto es uno de los puntos que más llama la atención e, incita al lector a cuestionarse ¿qué es un crítico?, ¿qué debe criticar? y ¿si tiene límites su opinión? Toda opinión es libre; lo difícil es mantenerla en el tiempo y ser consecuente con ella, aunque lo que importa es el valor testimonial que representa en la literatura española de una etapa convulsa.

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La hondonada, Jhumpa Lahiri: el sabor agridulce de la nostalgia herida

Pocas autoras, que yo haya leído, recogen el sentimiento de la emigración de una forma tan natural y cercana como lo hace Jhumpa Lahiri. Con una obra literaria sucinta en su haber, en el año 2000 consiguió el Premio Pulitzer por su libro de relatos El intérprete del dolor (también está publicado como Intérprete de las emociones) y siendo catalogada como una promesa en ciernes dentro del mundo de la nueva narrativa del siglo XX a la altura de Paul Auster, Zaddie Smith o Hanif Kureishi.

Jhumpa Lahiri es una escritora que hace un trabajo muy pormenorizado; en sus dos novelas se intuye un trabajo de planificación muy exhaustivo para conseguir una novela ambiciosa. Es algo que se percibe nada más entrar a leer en sus páginas. En La hondonada nos encontramos con la temática de la primera etapa como escritora: la emigración y las causas y sentimientos que produce en ambas partes, receptora y emisora. Desgajando la vida de los hermanos Subhash y Udayan, que nacidos en Calcuta, en un barrio humilde y en época del monzón, cerca de donde viven, hay un terreno seco entre dos lagunas se llena de agua y es en ese espacio donde transcurre su infancia, y que la autora toma como reflejo para mostrar sus vidas: la tradicional a través de Subhash, en la India, en su ciudad de origen, y el mundo americano, el progreso a través de Udayan. Dos mundos que van paralelos a la historia de ambos países: el nacimiento del movimiento naxalita (Partido Comunista de la India), los cambios sociopolíticos en la India y la hegemonía como potencia política en Estados Unidos. La polaridad de los dos mundos: la tradición y el progreso hacen que ambos hermanos tomen caminos muy diferentes, pero a su vez estarán unidos para siempre, pero no en la forma tradicional, sino al estilo de Lahiri, que dejó bien marcado en su novela "El buen nombre"; que sabe cómo encadenar hechos causales para que incidan de por vida en los protagonistas. Todo está muy bien hilado en la novela, y vemos la progresión de los personajes de forma natural en el desarrollo de una vida y con todo lo que ello conlleva: nacimientos, muertes, enfados, desengaños... pero siempre de la mano de la dicotomía: tradición/progreso.

La narrativa de Lahiri es ambiciosa y al entrar en su lectura, uno está cómodo porque la historia fluye por sí misma, cosa que no es fácil de conseguir, pero a su vez te hace sentir incómodo porque piensas en por qué el personaje actúa así y no de otra forma o, como a uno le hubiese gustado,dado que uno actuaría de forma diferente ante los hechos que ocurren. Y es por lo mismo, porque es una historia de dos vidas, donde se actúa conforme van sucediendo las vivencias en ese momento; al lector no le corresponde ser juez de los personajes, solo tiene que entender que la vida no permite cambiar de ruta o detenerse a pensar en lo que está ocurriendo, es cuestión de vivir. Que en cierta medida no es poco.

Desde el año 2012, Lahiri vive en Roma y su producción literaria comenzó una segunda etapa que ha ido por otros derroteros, incluso con pérdida de calidad y, de hecho, parece ir a la deriva. Quizás uno sea egoísta al pedirle a una escritora que escriba algo sobre lo que ya se sabe que no va a fallar, porque la última prosa y argumento bajo el baremo de la calidad no van siempre coordinados en todos los autores de la man y hubo momento en que Jhumpa Lahiri supo hacerlo,en La hondonada está la esencia pura de su primer estilo. Se disfruta, se vive y se emociona; es injusto pedir más a una novela.

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La piel fría, Albert Sánchez Pitol: el rescoldo de una aventura

Escribir una novela de aventuras al estilo de la época del mayor esplendor del género, que fue el siglo XIX, es lo que intenta Albert Sánchez Pitol con La piel fría,revivir una aventura en los albores del siglo XX, concretamente en el 2003, fecha de publicación del libro.

Partimos de la base de una lectura amena y fácil y sin ninguna complejidad estilística. Se intuye que Pitol es aficionado del género aventurero, tal y como está escrita la novela, teniendo forma circular con su inicio y fin, así como que contiene todos los elementos necesarios en una historia para tal fin: un faro, un alienígena o ser extraño, una isla pequeña y apartada de toda ruta comercial en el Atlántico Sur, un protagonista huido o perseguido por la justicia y la permanencia obligada de un año en dicho lugar.

A una novela de aventuras no se le puede pedir otra cosa, sino que distraiga al lector, requisito que cumple La piel fría,aunque se intuye que el autor ha querido decir algo más, pero no consigue transmitirlo al lector, porque el doble sentido se pierde ante la sucesión de acontecimientos continuados. El hecho de convivir dos personas ajenas entre sí, los efectos que produce la mente del ser humano ante la incomunicación y los monstruos que le hace ver, el paso del tiempo y su medida, saber cómo actúa el ser humano ante el aislamiento, o quién es el monstruo ante la invasión de un terreno.

Los trama están plagados de reminiscencias a Verne, Crusoe, Lovecraft e incluso se atisba en el protagonista rasgos de Kurtz, persona arista de Conrad, ante la perplejidad de todo lo que está viviendo, aunque Piñol no consigue profundizar en nada. Intenta jugar con el lector, pero solo ha leído las instrucciones del juego y no sabe cómo aplicarlas. Las citas para emular a filósofos, el juego de nombres (escritos al revés), la escasez de personajes o la creación de un ambiente claustrofóbico. Presiento que Pitol intenta mostrar la complejidad humana en su vertiente de la convivencia entre dos personas (¿el hombre es un ser solitario? ¿necesita de la sociedad?) y en un mundo ajeno, pero se queda ahí, no consigue calar con ningún pensamiento en profundidad y los personajes se disuelven en su propia construcción.

Todo en la historia es demasiado evidente para dotarla de una calidad que perviva en el tiempo y más cuando el lector actual exige inmediatez y, casi que todo sea novedad. En el año 2017 el libro fue llevado al cine, pero pasó sin pena ni gloria. La piel fría se lee sin más exigencia que una novela de aventuras, para una tarde de playa (o dos) o de campo. Cuando se sabe lo que estás consumiendo, no hay que exigirle más.

© Miguel Urda Ruiz

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